艺术家史国威，

十多年来掌握着独门摄影手艺—手工上色。

他的每一幅作品，

都是亲自一笔一画在黑白照片上进行人工上色。

由于材料的限制，

一旦下笔，就无法修改，

整个制作过程紧张、刺激，

聚集了巨大能量;

每张作品，都要花费一个月多的时间才能完成，

在艺术市场上极为稀有。

作品《多肉乐园》

作品《人造风景》

因为拍摄，史国威常常一个人进山，

在山里，他不与人接触，独自扎营，

看看树林，听听风声、鸟叫声，

会把打动自己的景观，

用散点透视的方式拍下，

做成中国画似的卷轴。

史国威说：“生活中有太多的妥协、平淡，

我想做艺术方面就真的不要有太多的妥协，

要紧张、刺激一点。”

自述 史国威

撰文 陈稻稻 责编 邓凯蕾

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这十多年来，我一直在摄影与绘画的边界上，核心就是在做手工上色，算是在一个“灰色地带”。

大学在当时的中央工艺美术学院(现清华大学美术学院)读了平面设计，2003年左右就决定去德国留学。

当时选择去德国的原因，是因为国内大学学到的摄影知识不够，想继续深造，德国不收学费，摄影也挺强的，就想出国学习一门技术，毕业之后靠它养活自己。

最后，我选择去了多特蒙德高等技术学院，一个专门学习摄影的院校。

作品《带刺的植物》

德国人特别严谨，他们对于细节、品质的要求很高。记得有一个翻拍24色卡的作业，翻拍完之后要自己去冲洗，放大出来相纸的颜色要和色卡去校对，两者几乎不能有差别。当时就挺虐的，带我的学长一直在督促我，坚持到很晚才结束。

德国的留学经历对我来说，一直到现在影响都挺大的，因为在那边，不仅要完成学业，生活费、材料费都需要自己打工获得，这是一个肉体和精神上的磨练。

另一方面，德国人的坚毅、不要解释困难，只看结果完成，没有任何通融的特点，潜移默化影响了我很多，对图像、构图、色彩，还有照片如何裁切，如何做到精确，都是当时训练出来的结果。

史国威早期的创作

毕业的时候，我想做一个跟德国学生不一样的创作，作为自己在德国的一个结束。

因为自己是学美术出身的，并不是从摄影领域直接切入，手工上色又接近于绘画，心灵上觉得有一部分绘画的成分在，于是就尝试了手工上色。

手工上色，自摄影术发明之后没多久就有了。最早还没有彩色胶片的打印技术，大家都想要彩色的照片，就会在黑白照片上进行手工上色。

史国威父亲手工上色的照片

我父亲也会手工上色，他们那个年代没有彩色摄影，结婚照几乎都是手工上色。我父亲的动手能力比较强，就自己来上色，包括自己的肖像，他都会把照片拿过来，自己画一画，染一染色。

德国摄影在世界范围内技术都很领先，但随着技术的发展，一些传统的摄影技术也在慢慢遗失掉，而我在德国主要学习的是商业摄影，手工上色不属于学校的范畴，也没有人在做，当时教授知道我想做手工上色这方面的作品，就很鼓励我去尝试。

德国毕业作品

选择做了一个关于东西文化碰撞的题目，把中国传统戏剧的形象和西方戏剧的形象，混杂放在同一个人身上，像纪念碑一样拍下来，再进行手工上色的工艺把它完成。

2006年，我从德国回来了。一开始，是在一家公司做商业摄影师，很困难。因为在德国学习的，主要是关于摄影技术那一块，不需要跟人打交道。

我的性格在跟客户交流的时候，感觉到了明显不适应，加上广告公司各种的限制，做了大概一年就不做了。

那时候，正好认识了艺术家陈可，她早期也会做一些黑白照片手工上色。我的毕业创作小样放在他那，之后一起做了一个群展，慢慢被人认识，就开始往摄影艺术方向发展了。

作品《松》

早期，我创作了很多关于中西方融合的主题，这是我德国毕业创作之后深挖的一个过程。

2013年左右，我慢慢开始从社会、人物题材的拍摄，转到对自然景观的创作，陆陆续续拍了一些没有人物的景观。这是随着年龄慢慢增长，社会经历慢慢增加，自然而然地对于自己内心的关注、内部的声音更多一些。

进山是我的一个兴趣爱好，这可能跟小时候父亲带我进山有关。那会还没有禁枪，他会定期带我进山打猎，时不时教我一些野外常识。小男孩不学习的话，都喜欢到野外去疯。

现在，我会偶尔进一下山，背着相机，短暂待个一两天的时间，不住农家乐，会自己扎营，避免与人接触。

作品《迎春》

在山间行走，有太多美好的感受，可以完全放空自己。没有城市嘈杂的声音，只有鸟叫声，走路踩踏树叶的声音，特别累的话，会有喘气声，心脏跳得很快的声音，这些都是在城市里没有的体验。

作品《倾斜》

作品《生比死更冷》

面对户外也会豁然开朗，有很多可能性在里面。我几乎没有任何计划、目的性，就是碰，把一些打动我的景观，用散点透视的方式拍下。

就是一个物体、景观，从不同的角度拍下，之后会在电脑上做大量的后期合成的工作，把它拼接成一个符合逻辑、没有缝隙的图像。

这跟中国画有一些相似之处，因为都是散点透视，不在同一个点来观看事物，像一个卷轴的感觉。

《有风景的房间》系列 | 2013

《有风景的房间》系列，是我2013年在北京植物园拍的一组照片。那段时间，我尝试往景观方面的作品转变，但还没有做过那么大尺幅的，对于画面的把握、色彩的运用都是一个考验。

当时它还处在还原记忆的阶段，色彩、场景都比较符合逻辑，会感觉像彩色照片。

作品《密林》

《密林》完全打破了它固有的自然色彩。这是我上色的时候完全没有预料到的结果，每一棵树枝都用三原色的纯色，叠加在一起的话，就会变成灰色，场景变得完全不真实。

作品《MM仙人掌公园》

早期，我一直在强调手工上色，因为它确实是在一张照片里面填充颜色，在模仿一个真实的，或符合彩色摄影逻辑的颜色。

现在我几乎不再叫它是手工上色，摄影绘画会更准确、更贴切一些，超出了填色的这个范畴，更自由、更多主观的色彩在里面。

左：作品《写生A》 中：作品《地衣》

右：作品《写生D》

对于传统的手工上色的照片来讲，它是不允许有笔触出现的，要完成一个像彩色摄影似的结果，但我的突破点在于不要让它有照片的结果，要让它有绘画的结果。

这就像生活中，有很多事情不是非黑即白、非好即坏，它是有一个中间的灰色地带。

如同我很喜欢的一段话：“像河流的边缘，是最肥沃的一片区域，植物长得最茂盛，因为它既吸收了河水的营养，又有陆地的给予。”

手工上色，在欧洲起源时，大部分是用油彩来上色的，传到日本之后，日本是用水彩来上色的。我国兴起时也是用油彩，水彩非常少，后来水彩跟油彩混合，但随着彩色胶片的出现，这个马上就被淘汰了。

我现在用的是透明水色的材料，由于材料的限制，一旦画上去就没有办法进行修改。所以，下笔时就要决定好下一笔该怎么做，是一个非常刺激的过程。

因为一旦画错，整个就废了，没有悔棋的余地，逼着自己走下去，一直处于一个紧张的状态去完成，这样的话，是集中了很大的能量在画面上。

现在的工作室有5只猫、1条狗，都是些流浪猫、流浪狗，因为各种原因被收养，都跟了我十多年了，很老了。

上一年疫情期间，工作室的院子有一条小黑流浪狗。那会儿正好是冬天，心情特别糟糕，它的出现给了我一丝希望。我每天都会喂它，它每天都会定时来我这儿。突然有一天，它被带走了，我经过特别多的努力也没有找到它，当时情绪也比较波动，没有办法逃避。

作品《念小黑》

这种波动的情绪，最后也在画面上表现出来了。《念小黑》这件作品，是我对于那只流浪的纪念吧。

作品《初春的杨树》

《初春的杨树》也是疫情期间的创作，那段期间生活太黑暗了，春天四月份的时候，从我家窗外望出去杨树发芽的情景，我就把它拍下。这是我作品里面少数比较积极向上，正能力的作品。

生活的点点滴滴对于创作都是有影响的，感受是来自于生活，所以在画面上是会体现出来的，不同时期的情感都会有表现。

我年轻的时候跟现在很多年轻人一样，喜欢去夜店泡吧、喝酒、蹦迪，特别愤青。

喧闹过后，就是两点一线。现在，我早上会带孩子，带完孩子，中午会来工作室，一直工作到下午5、6点结束。

所谓生活方式，都是自己的选择，慢一点的话，才能观察和体会到一些细节的东西。因为生命就这么几十年，我不想特别快地过去，回想起来几乎是空白，要一些冷静的思考。

上海摄影艺术中心展览现场

对于未来也没有什么计划、打算，就一直画下去，直到手画不动为止。

每一件作品都需要花费大概一个月的时间，大量的心血、精力完成，每次作品完成，我都会依依不舍，但作品出了我的工作室，也不会知道它流向何处，就像自己的孩子一样，默念祝它好运。

我不希望这个东西是主流的，也不希望归为哪个领域，待在这个边缘地带挺刺激的，就像走钢丝一样。因为生活中有太多的妥协、平淡，我想做艺术方面就真的不要太多的妥协，要紧张、刺激一点。